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何永宁书画作品欣赏
发布时间:〖2014-8-27
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浅谈中国画的情感潜蕴

                                  何永宁

中国画是借助一定的物质媒介和技艺来表现人们对客观世界的形象认知。作为一种高端精神产物,通过一定的物质形式向人们形象展示作者独特的艺术感悟和情操学养。通过丰富多彩的绘画语言形象逼真的彰显作者的艺术情感是中国画的基本特质。
中国画的创作是以审美方式再现客观世界的,作者的立场观点、思想感情和审美情趣都是通过具体的艺术构思和艺术创造而表现出来。中国画是一种精神性极强的艺术,其创作过程体现出极强的情感性,可以说中国画是以情感的张力来形象地表现与物质世界那种水乳交融的关系,以物质为基础,经过独特的艺术创造将富有个性的情感世界物化为可感可知的艺术介质。综观中国画的发展,我们不难看出,在它发展的道路上,有根无形的线在牵扯着它发展的方向,使得中国画始终朝着引领先进文化前进的方向,这就是中国画情感潜蕴之所在。中国画艺术流派众多,名师辈出,佳作如云,技法繁复,风骚永续,情感潜蕴是其支撑。
中国画注重艺术教化作用。唐代的张彦远指出美术具有教化的功用,“夫画者,成教化,助人伦,穷神变,测幽微,与六籍同功,四时并运”,“记传所以叙其事,不能载其容;赋、颂有以咏其美,不能备其象。图画之制,所以兼之也。”比较恰切地阐述了中国画情感潜蕴的本质。
中国画情感潜蕴艺术表达的妙处在于用笔。 中国画用笔讲究笔力。南朝谢赫的《六法论》中的第二法“骨法用笔”就要求笔画的组织精练而能够恰如其分地表现对象,抒发作者的感受。 除了讲求笔力之外,中国画还讲究气韵。气韵是魏晋时代品评人物风度韵致的方式,是人的内在精神因素的向外展露,被引用来作为品画的标准。下笔落纸追求变化,构图成画讲究顾盼生情,交映成趣,这便是用笔及用墨的情趣要求。情调是画家喜怒哀乐的情感色彩,趣味是指画家精神生活与物质生活中产生的各种情趣。因此,用笔和用墨包含着浓厚的情感性和写意性。 中国画用笔的讲究是中国画技法的核心,也是中国画本质的一种基因。用笔是造型的基础,不仅要能正确精确的描绘对象,还要有对象自身的情感诠释。气韵和神采的意义相差无几,要求画家在创作前先要存想于心,即所谓“意在笔先”,下笔要能产生神采气韵,是 “象应神全”,形象的准备和神采的完备,都要靠用笔。
一幅画作艺术的思想性在中国画的创作过程中,比较清楚地体现在造型、用色、构图、题材等等许多方面。通过一定的画面内容来表达一定的意境,用以体现作者的世界观、价值观和人生观。这就要求画家必须做到融情于胸,具象入画。 首先,中国画在造型上具有形象性、意象性、格致性等特点,其中意象性和格致性都是作者主管物化的产物,情感潜蕴渗沁创作的全过程。意象性就是作者运用想象力对物象进行加工概括提炼的艺术创造过程,使之既有物象的客观特质,更有作者的主观成分。格致性也是如此。只是相比之下,格致性的主观意蕴更极端化,造型更图案化。意象性则包含一种自然真实的愿望,使中国画体现自然美的流韵。顾恺之强调画作要“以形写神”,明确阐述了形象外现和情感潜蕴的关系。正确的写形,才能正确的传神,成为中国画艺术创作的重要法则。中国画讲究“神形兼备”,注重诉说创作主体的情感潜蕴。它不拘泥于形似的雕饰、而注重神韵的传达,这正是洞穿了艺术创作中造型与传神两者相辅相成的辩证关系。画家对客观事物的观察和把握,通过笔墨线条由表及里地对自然物象的精神特征的把握,通过画家的主观精神因素,包括修养、品德、秉性等,与客观世界相融合,从而创造出具有深刻内涵的美的形象和境界。中国画具有浓厚的思想性,这对于中国画的发展具有极其重要的作用和意义。中国画追求内心思想的表达和体现。这在一定程度上又是源于中国文化的传统底蕴,以及在中国文化熏陶下成长起来的思想家对艺术家所造成的潜移默化的影响作用。宋代文人的写意画就已经包含了对象的精神或气韵的体现,同时融入作者的情感元素,赋予物象厚重的情感蕴意。文同的《墨竹轴》画面着意于描写受到某种自然环境约束,因而弯曲生长的竹子,如何顽强的坚持向上发展,这是竹子的真实生存活力和作者所表现的人格力量的完美结合。
中国画十分讲究构图。中国画在构图上包括九个方面的因素:布势,也叫布局或者章法,气脉,开合,藏露,空白虚实,边角处理,穿插,题款押章,卷轴。欣赏中国画,我们常常可以见到许多空白没画。在中国画里,画到的地方一般称为实,没画的地方称为虚,虚表现为空白。空白不仅是色彩问题,还是某些具体事物的意象,还具有无限的精神容量。而当中的题款和图章中的闲章是中国画情感潜蕴的又一表现。 最后说到的题材就更加明显的体现出绘画过程中中国画作者所倾注的情感性因素。无论宗教题材,世俗生活,自然景观,花鸟虫鱼兽……都体现的是画家的某种情感意志,借画面来表达某种情感意向,抒发某种感触情怀。顾恺之认为:“凡画,人最难,次山水,次狗马,台榭一定器耳,难成而易好,不呆迁想妙得也。”把对绘画的一般性论述提到到独立的理论认识高度。南朝谢赫的六法论,即气韵生动,古法用笔,应物象形,随类赋彩,经营位置,传移模写曾一度成为成为中国画基本品评标准,时至今日仍然保持着旺盛的生命力。“随类赋彩”它体现的是一种类型化的用色。中国古代艺术创作脱胎于传统悠久而深厚的工艺装饰艺术。它为了保持纹样的统一性,色彩运用就必须保持类型化。于是就形成了这样牢固的思想意识与欣赏习惯。南朝的宗炳在他的《山水画序》里认为山水是以其外形体现“道”的,因而图绘山水形象可以领会虚无之道。但他提出的“应会感神,神超理得”的创作构思方法,在一定意义上可以理解成为有感于物而在内心一起反响,激起创作激情则充分表明了他的审美意识。他将山水画创作归于“神思”,强调艺术家的想象活动,这种对情感元素的重视,无疑和后来倡扬的“寓情于景”“情景交融”有了传承和关联。西晋陆机认为绘画的社会功能是“比《雅》、《颂》之述作,美大业之馨香,宣物莫大于言,存形莫善于画”。唐代张彦远提出了更明确的要求:“夫画者,成教化,助人伦,穷神变,测幽微,与六籍同功,四时并运”。这种“非以极口腹耳目之欲也,将以教民平好恶而反人道之正也”的艺术观,构成了中国美术创作做好情感潜蕴的核心,对中国画艺术创作产生了深远的影响。
中国画重视人品、画品,实质上是重视人文精神。“人品不高,落墨无法”成为一种习见的说法。潘天寿“艺术为人类精神之食粮”,黄宾虹说:“笔墨精神,万古不移”都在强调画做背后的情感潜蕴。南宋李唐的《采薇图》所描绘的历史故事,是人伦道德操守的直接教化,宋郭熙《早春图》所刻画的早春山水也是间接的宣化造化的崇高博大。中国画中的文人写意画画松柏、画萱草,画什么都有所寄托和象征,使所画之物品与作画者理想中之人格相胶合,作者情感潜蕴不言自明。

何永宁,1957年生于西安,1981年毕业于西安美术学院。现为陕西省美术家协会会员,陕西省山水画研究会常务理事,咸阳市美术家协会副主席,咸阳市山水画研究会副主席,咸阳画院副院长,并历任咸阳市群众艺术馆创研部主任、工会副主席、党组委员等职。作品多次参加全国、省、市美术展览,并多次获奖,陕西省文化厅历届举办的画展中,分获一等、二等、三等奖,省美协画展中荣获三等奖,全国第四届山水画展中获创新奖。在各类杂志发表大量作品,《秋雨过后山更明》被陕西省美术博物馆收藏,《清秋》被陕西省美术馆收藏,艺术简历的作品被编入多部画册和书典,多幅作品被国内外友人及政府部门收藏。

 


 

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